Artistas | MECA Instituto

DANNIEL TOSTES

Danniel Tostes (Rio de Janeiro, Brasil) é curador independente, nascido em Niterói e vive e trabalha em Genebra, Suíça. Seu trabalho se concentra em práticas artísticas emergentes e na investigação de narrativas que promovem trocas interculturais e transgeracionais, com forte compromisso com a acessibilidade e a amplificação de vozes historicamente sub-representadas.

Parte central de sua pesquisa é dedicada à documentação e ao arquivamento de práticas artísticas por meio de exposições e documentação, abordando temas como migração, comunidade e memória coletiva. Como curador independente já fez projetos com instituições e galerias como FMAC Genève, Migros Museum, Pace Gallery, Fondazione Sicilia, Swiss Institute Rome, Systema Plus Marseille e Basel Social Club.

É mestre em Curadoria, Crítica de Arte e Cibernética pela HEAD – Universidade de Artes e Design de Genebra. Atualmente trabalha desenvolvendo projetos expositivos para a HEAD Genéve e para a Sociedade de Artes da cidade de Genebra.

DENILSON BANIWA

Denilson Baniwa (n.1984, Barcelos, Brasil) é amazônida de origem na nação Baniwa, tem como base de trabalho a pesquisa sobre aparecimentos e desaparecimentos de indígenas na História Oficial do Brasil, ao mesmo tempo em que busca nas cosmologias indígenas e suas representações artísticas um possível método de compartilhar conhecimentos ancestrais e ao mesmo tempo criar um banco de dados com essas cosmologias como modo de salvaguardá-las.

Participou de exposições no CCBB, Pinacoteca de São Paulo, CCSP, Centro de Artes Hélio Oiticica, Museu Afro Brasil, MASP, MAR, Museu do Amanhã, Bienal de Sidney, Bienal de São Paulo, Getty Museum em Los Angeles, Museo Amparo no México, Inhotim, dentre outros.

Em 2024 foi um dos curadores do Pavilhão Brasileiro na Bienal de Veneza.

JESSICA CINEL

Jessica Cinel (n.1992, São Paulo, Brasil) é formada em Negócios Internacionais pela European Business School (EBS), em Londres, com ênfase em francês e empreendedorismo, e mestre em Arte do Leste Asiático pelo Sotheby’s Institute of Art.

Há mais de uma década, desenvolve sua trajetória profissional na interseção entre arte, gestão e inovação. Durante três anos, esteve à frente do Museu Brasileiro de Escultura e Ecologia (MuBE) como diretora, conduzindo projetos que ampliaram a relevância da instituição no cenário artístico.

Desde 2023, atua como gestora de estúdio, gerenciando ateliês de grandes artistas contemporâneos, coordenando projetos e liderando o planejamento estratégico de curto e longo prazo. Em outubro de 2024, passou a integrar o conselho internacional do Palais de Tokyo, em Paris, onde contribui para a definição de diretrizes que moldam o futuro da arte contemporânea global.

Atualmente, também é consultora VIP da Frieze no Brasil e na América Latina, fortalecendo o relacionamento com colecionadores e ampliando a presença estratégica da feira na região.

ANA V. LOPES

Ana V. Lopes (n. 1998, Japuíba, Brasil) é artista visual, curadora, arte-educadora e pesquisadora contracolonial. Graduada em História pela Universidade Federal Fluminense (UFF), atualmente atua como curadora no Galpão Bela Maré.

Em sua prática artística, investiga o encontro entre barro, terra e corpo, fabulando mundos que coabitam, adentrando o campo onírico e narrando histórias. Seus interesses atravessam estudos de processos de queima, coletas manuais e aglutinações orgânicas.

Participou dos programas Habitar os Vínculos – Terra Saúva (São Paulo, 2023), Casa Figueira (Rio de Janeiro, 2025) , Ainda,Lab (Rio de Janeiro, 2025) e Arte Livre, Ar Livre com Casa Europa (Rio de Janeiro, 2025). Entre as suas exposições, destacam-se Canção Sublime, Notas para o infinito na Claraboia (São Paulo) Emaranhados, no Sesc São Gonçalo (Rio de Janeiro); PARU: Ecos do Barro no Parque da Catacumba (Rio de Janeiro). Realizou as exposições individuais: Fragmentos da Encantaria na Galeria Sala Nelson Perreira (Niterói) e Do que me contaram, ao que sonhei na Galeria Centro de Artes (Niterói). Participou do SOLAR +10 na SP Arte. Sua obras integram coleções particulares brasileiras e internacionais.

MAYRA CARVALHO

Mayra Carvalho (n. 1997, Baixada Fluminense, Brasil) é artista visual e pesquisadora contracolonial. Seu trabalho investiga a força e as confluências dos rios flutuantes como transmissores de mensagens, atravessando memórias, cosmopercepções coletivas e o encontro de saberes. A artista reflete sobre como os ritmos naturais, os ritos e os fluxos dos ventos, rios e terras se entrelaçam às forças dos saberes espirituais de sua etnia, que a orientam e a guiam.

Participou dos programas Formação e Deformação, da EAV Parque Lage (Rio de Janeiro, 2021), e Pista, Ritmo, Fluxo, da Elã Escola Livre de Artes, no Galpão Bela Maré (Rio de Janeiro, 2023). Entre suas exposições, destacam-se Todo se Mueve, no Museo de Antioquia (Medellín, Colômbia); Fazer com pensar junto, no Centro Cultural Banco dos Correios (Rio de Janeiro); Insurgências e o contraponto do longe, no Centro Cultural Bienal das Amazônias (Belém do Pará); e Nature must go, you must stay, no Recinto / La Clínica (Oaxaca, México). Suas obras integram os acervos do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e do Museu Histórico Nacional.

JULIA GALLO

Julia Gallo (n. 1997, Rio de Janeiro, Brasil) é artista visual, vive e trabalha em São Paulo. Seus trabalhos têm por procedimento central o desenho, seja como carvão riscando a tela, tesoura cortando papel ou mesmo sombras translúcidas projetadas no espaço. Gallo cria anatomias ficcionais que dão forma a estados de ânimo específicos, dissolvendo a suposta dicotomia entre corpo e alma. Em seus trabalhos, criaturas indizíveis e gestos indecifráveis são vistos em cenas densas e inflamadas, cuja sensação provoca, simultaneamente, sensações familiares e mistérios vitais.

A prática de Gallo é marcada por uma investigação contínua sobre o diálogo entre força e vulnerabilidade. Seus trabalhos revelam texturas que oscilam entre a densidade da matéria e a leveza do gesto, transformando-se em uma narrativa visceral. Com referências a tragédias clássicas e simbologias bíblicas, suas obras habitam o limiar entre o efêmero e o eterno, envolvendo o espectador em uma experiência psicológica profunda.

Entre suas exposições recentes estão: “Aguardente”, no Paço das Artes, São Paulo, Brasil (2024); “A noite dos clarões: ecos do surrealismo e outras cosmologias”, na Flexa Galeria, Rio de Janeiro, Brasil (2024); “Essen”, na Galerie Gruppe Motto, Hamburgo, Alemanha (2024); “VRUMMM”, na Galeria Millan, São Paulo, Brasil (2024); “Do desenho”, no Centro Cultural dos Correios, Rio de Janeiro, Brasil (2024); “Gestos de amor, práticas de sedução”, na Galeria Almeida & Dale, São Paulo, Brasil (2024); “Artista de artista”, na Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brasil (2023); e “Here becomes elsewhere”, no Fabrica Research Centre, Treviso, Itália (2023).

CAIO PACELA

Caio Pacela (n.1985, Espírito Santo do Pinhal, Brasil) é bacharel em Pintura (UFRJ), frequentou cursos livres na EAV Parque Lage. Por meio da pintura e desenho, com forte influência da fotografia, a obra de Pacela se distingue por sua aproximação e aprofundamento no tema da espiritualidade e suas ramificações (fé, crença, identidade, culto, oferenda e transcendência), especialmente sob a perspectiva de sua experiência pessoal. Ao eleger a espiritualidade como campo de experimentação encontra nela caminhos para o desdobramento de sua poética ao observar sua ação no corpo e no espaço que o cerca. Entre o místico e o terreno, sua obra traz também à tona questões de simbiose entre os sujeitos individual e coletivo, seus relacionamentos de subversão e interferência recíprocas com ênfase no caráter espiritual, intuitivo e subjetivo das relações humanas e sua postura ante a ideia do eterno, do sagrado e do divino.

O artista apresentou exposições individuais recentes como o artista fraco (2025) na Janaina Torres Galeria, em São Paulo, e CONSAGRAÇÃO (2022) na Casa Bicho, no Rio de Janeiro. Entre suas participações em exposições coletivas, destacam-se Prata, Papel, Tesoura (2025) na Janaina Torres Galeria, São Paulo; Do Desenho (2024) no Centro Cultural Correios e Apocalipse (2024) na Casa França Brasil, ambas no Rio de Janeiro; Entes (2024) na Janaina Torres Galeria, São Paulo; Coração na mão (2023) na Galerie SALON H, em Paris; Vocês, Verão (2023) na Martha Pagy Escritório de Arte, Rio de Janeiro; ID (2022) na Z42Arte, Rio de Janeiro; NaZanza (2019) na Villa Aymoré, Rio de Janeiro; e Empresta-me Um Dos Seus Dias (2019) na Arte Londrina 7, em Londrina.

Sua produção também foi registrada em publicações como Nossa Voz (#1025, 2026) e Revista ZUM (#27, 2024). O artista participou da residência do MECA Instituto e foi indicado ao Sauer Art Prize SP-Arte 2025. Seu trabalho integra importantes coleções, como a Pinacoteca do Estado de São Paulo.

LUIS ENRIQUE ZELA-KOORT

Luis Enrique Zela-Koort (n. 1994, Lima, Peru) é um artista e pesquisador interessado em tecnologia. Trabalhando em mídias variadas, eles unem ideias da ciência, mitologia e identidade para conceituar novos mundos e desafiar modos binários de pensamento.

Seu trabalho frequentemente combina estéticas orgânicas e computacionais, com o objetivo de revelar e visualizar a conexão íntima entre nossos corpos e o conhecimento que produzimos. Abordando a arte como um dispositivo poético para mapeamento cognitivo, grande parte de seu processo inclui referências acadêmicas e da cultura pop, conectando o pessoal e o coletivo.

Entre suas recentes exposições individuais estão: Todos los pulsos posibles, Proyecto NASAL, Equador (2023); Retorno Solar, Museo de Arte Contemporáneo Lima; Halo de Espina Rosa, Revolver Galería, Lima (ambas 2022); Deseos Modernos, Centro de Arte Contemporáneo, Quito (2021); Métrica Tensa, Paiján, Trujillo, Peru (ambas 2019).

Entre suas exposições coletivas mais recentes estão: Montes No-Visibles III, MACBA, Espanha; Mirada Queer, Museo Muñoz Mariño, Equador; Actualizaciones Post-Digitales, Centro Cultural Británico, Peru (todas 2023); TRANSE. Trauma, Sueño y Fuga, 13ª Bienal do Mercosul, Brasil (2022).

RAYANA RAIO

Rayana Rayo (n. 1989, Recife, Brasil) em suas pinturas evoca paisagens ou organismos vegetais, constituem um bioma próprio, que responde a experiências sensíveis e a elaborações subjetivas. Rayo parte de formas fundamentais e de uma paleta de cores rebaixada para criar fabulações em suas pinturas, das quais emergem formas que aludem a montes, ilhas, paisagens aquáticas e abissais, além de plantas, bichos e outros seres que se destacam do fundo e cintilam na superfície da tela.

De caráter onírico, suas representações não buscam correspondência imediata com o mundo exterior. Ainda que este seja sugerido em suas formas, para a artista, a pintura se afirma como um instrumento de materialização de memórias, desejos e experiências cotidianas, ao mesmo tempo em que estabelece diálogo com a tradição artística pernambucana.

Com uma trajetória intimamente ligada às artes desde a infância, dada pela convivência com o pai e com o circuito artístico de Pernambuco, Rayana Rayo passou a se dedicar à pintura em 2015. Desde então, teve exposições individuais na Galeria Travessía Cuatro, Guadalajara, México (2025); Galeria Marco Zero, Recife (2025); Casa Criatura, Olinda (2019); e Casa Vândala, Fortaleza (2018). Além de ter participado de exposições coletivas como A terra, o fogo, a água e os ventos – Por um Museu da Errância com Édouard Glissant, no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2025) — ocasião na qual realizou a residência artística promovida pela Édouard Glissant Art Fund, na Martinica —; Entre colapsos e encantamentos, Galeria ReOcupa, São Paulo (2025); Surge et veni, Millan, São Paulo (2024); Invenção dos reinos, Oficina Francisco Brennand, Recife (2023); Solar nascente, Solar dos Abacaxis, Rio de Janeiro (2022), entre outras. Sua obra integra o acervo da Pinacoteca de São Paulo e do REC Cultural, em Recife.

IAGOR PERES

Em seus trabalhos, Iagor Peres orienta-se pela vontade de transformar a noção de Coisa a partir de um processo de recategorização da matéria. Partindo de relações estabelecidas entre obra e ambiente expositivo e público o artista atenta-se à gama de reações entre a matéria e as condições de umidade, temperatura e significado que as afetam.

Tais configurações materiais traduzem o questionamento do artista acerca dos mecanismos produtores de diferença do pensamento branco-ocidental que incidem sobre a existência racializada.

A experiência de Peres na dança reflete-se na ênfase sobre o corpo e suas dinâmicas de aparecimento e retirada no espaço.

GILSON PLANO

Gilson Plano (n.1988, Goiânia, Brasil) atua a partir da ideia de escultura, pela forma, entre a educação e gestão de programas de arte contemporânea, desenvolve trabalhos e pesquisa na intersecção de objetos, materiais, ações e narrativas. Investiga em sua produção artística o imaginário sobre a forma e pensamento sobre o Brasil, acompanhadas das idéias de peso, ficção e encantamento. As noções de estrutura e desaparecimento guiam suas esculturas e pesquisas. As relações entre espaços, histórias, construções e as relações coletivas que transforma e pensa as dinâmicas não lineares do tempo, produzindo a partir do imaginário de esculturas públicas, imaginações construtivas e suas dinâmicas de permanência.

Em seus projetos, Gilson Plano se mantém atento à maneira como aspectos formais podem manifestar qualidades e relações (im)palpáveis, como as noções de ficção e encantamento. Conforme produz relações de força e equilíbrio, tensionando o peso e as formas, Plano elabora vínculos materiais como dispositivos produtores de sentidos simbólicos, narrativos e históricos. Em toda sua obra, o artista investiga o imaginário sobre a forma e o pensamento no Brasil, trabalhando também com ações em educação e gestão de programas de arte contemporânea.

Entre suas exposições individuais estão Misterioso laço, Quadra, São Paulo, Brasil (2024); Pássaros e pedras, GDA, São Paulo, Brasil (2022); Como erguer tempestades, CCSP – Centro Cultural São Paulo, São Paulo, Brasil (2022) e TURVO, Duplex Air, Lisboa, Portugal (2021). Recentemente, participou também das coletivas 9ª Bolsa Pampulha: Camará, CCBB, Belo Horizonte (2025); O ouro e a madeira, Quadra, São Paulo (2025); Entre Corpos, MAC Niterói, Rio de Janeiro (2025); Eu não confio, Galeria Cavalo, Rio de Janeiro, Brasil (2024); Olhe bem as montanhas, Quadra, São Paulo, Brasil (2024); Contra tempo, Casa Museu Eva Klabin, Rio de Janeiro, Brasil (2024); Passeio público, Caixa Cultural, Rio de Janeiro, Brasil (2023); De montanhas submarinas o fogo faz ilhas, Pivô, São Paulo, Brasil (2022) e Tragédia!, Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo, Brasil (2022).

IAGOR PERES

Iagor Peres (n. 1995, Rio de Janeiro, Brasil) em suas esculturas e instalações orienta-se pela vontade de transformar a noção de coisa a partir de um processo de recategorização da matéria. Partindo de relações estabelecidas entre obra, ambiente expositivo e o público, Peres atenta-se à gama de reações entre a matéria e as condições de umidade, temperatura e significado que as afetam. Tais configurações materiais traduzem o questionamento do artista acerca dos mecanismos produtores de diferença do pensamento branco-ocidental que incidem sobre a existência racializada. Sua experiência na dança reflete-se também na ênfase sobre o corpo e suas dinâmicas de aparecimento e retirada no espaço.

Entre suas exposições individuais estão Entresól, Pols, Valencia, Espanha (2024); Adiar anoite, Futuros – Arte e Tecnologia, Rio de Janeiro, Brasil (2024); Quando o raio bate na areia, Quadra, São Paulo, Brasil (2023); Participou também das coletivas O ouro e a madeira, Quadra, São Paulo (2025); A Poeira Terrível, Quadra, São Paulo (2025); Entre Corpos, MAC Niterói, Rio de Janeiro (2025); Un interstício en todas partes a la vez, AGUASS, Barcelona, Espanha (2024); A conspiração dos ícones, Parceria Quadra e Fortes D’Aloia & Gabriel, Carpintaria, Rio de Janeiro (2024); Emoção de lidar, Quadra, São Paulo, Brasil (2023); Prêmio PIPA, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Brasil (2023) e Possible agreements, Mendes Wood DM, Bruxelas, Bélgica (2022) e Ópera citoplasmática, MON – Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil (2022).

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MARIANA ROCHA

Mariana Rocha (n. 1988, Niterói, Brasil) é artista visual e professora nascida em 1988, em Niterói, Rio de Janeiro. É graduada em Artes Visuais pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro e mestre em Artes Visuais pelo Programa de Pós Graduação em Artes da mesma instituição. Em seu trabalho, investiga a existência de um mar dentro do próprio corpo, enquanto tece relações com a fauna marinha, especialmente com os animais classificados como moluscos. A partir disso, busca recuperar e engendrar novos espaços de liberdade e elaborar estratégias de defesa e de cura.

Realizou as exposições individuais Desde Sempre o Mar (2025) na galeria A Gentil Carioca, Enxergar na água escura (2023) e Para investigar o mar precisei atravessar a pele (2021), na HOA Galeria, SP. Participou das feiras Frieze London (2023); ARPA, SP (2023); Zonamaco, México (2022); 154 Paris (2022), e das exposições coletivas (selecionadas): Dos Brasis: Arte e Pensamento Negro – SESC Belenzinho, SP (2023); Possible Agreements, Mendes Wood DM, Bruxelas (2022); Water marks: we must remember, HOA Galeria, Londres, UK (2021); Indícios, Paço Imperial, Rio de Janeiro/RJ (2018); Mostra Bienal CAIXA de Novos Artistas – Itinerante: Curitiba/PR, São Paulo/SP, Brasília/DF, Fortaleza/CE, Recife/PE, Salvador/BA e Rio de Janeiro/RJ (2015).

CARLA SANTANA

Carla Santana (n. 1995, São Gonçalo, Brasil) é graduada em Artes na Universidade Federal Fluminense, é artista multilinguagem, co-fundadora e articuladora do movimento nacional Trovoa. Adentrou o universo artístico a partir do teatro, refletindo acerca da dimensão narrativa do corpo. Referenciando essa fase formativa, ela esgarça a experiência sensorial e faz do elemento tátil peça primordial de sua prática. Inicia sua trajetória tensionando a argila sobre o próprio corpo, e eventualmente incorpora em seu processo a dimensão instalativa e ampla do material, seja pela modelagem e escultura, ou em formato líquido, transformando-o em tinta.

Investiga a dualidade entre corpo-subjetivo e corpo-social, materializando o que é imaterial através da ideia de corpo como dispositivo de expressividade.

Carla começou seu percurso atuando em duas companhias: Terraço Artes Integradas e Mundé. Prosseguindo nas Artes Visuais, já realizou exposições individuais na Carpintaria Fortes Daloia & Gabriel, e Centro Cultural Paschoal Carlos Magno, e dentre as coletivas destaca-se exposições em instituições como Mac Niterói, Museu de Arte do Rio, Parque Lage, Tanya Bonakdar Gallery, NY, Interior 2.1 – México, Quadra SP e Rio, Auroras, Galeria 5 bocas, Museu da república, SESC Madureira, Espaço BREU, Solar dos abacaxis, Capacete e no festival Valongo.

ANA CLÁUDIA ALMEIDA

Ana Cláudia Almeida (n. 1993, Rio de Janeiro, Brasil) é uma artista interessada em explorar materialidades através do movimento e da gestualidade. Seu trabalho incorpora papel, plástico, pastéis e óleo, abrangendo vários meios, como pintura, vídeo e escultura. As investigações de Almeida procuram resistir e perturbar o papel dominante que a funcionalidade desempenha na forma como os objectos são compreendidos, envolvendo a tensão dinâmica entre interior e exterior, indivíduo e ambiente. Esta posição é articulada através do exame da relação entre a natureza e os espaços construídos pelo homem, como paisagens urbanas e sistemas sociais de religião, gênero e sexualidade.

Formada em Desenho Industrial com graduação sanduíche pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro e Virginia Commonwealth University. Atualmente, está cursando Mestrado em Pintura, em Yale, New Haven (MFA Candidate, Painting and Printmaking). Co-fundadora do coletivo Trovoa, participou das residências Pivô Pesquisa, Valongo Festival Internacional e C.M.A. Hélio Oiticica. Foi indicada ao Prêmio Pipa em 2020 e finalista do Prêmio EDP das Artes em 2018. Já expôs em diversas instituições como: Fundação de Arte de Niterói, e dentre as principais coletivas das quais participou estão instituições como MAM-RJ, Instituto Tomie Ohtake, Paço Imperial do Rio de Janeiro, Museu da República, Galpão Bela Maré e Solar do Abacaxis.

Ainda em 2021 a artista tem um dos seus trabalhos em grande formato inserido na acervo do Museu de Arte do Rio (MAR – RJ), apresenta Buracos, Crateras e Abraços, exposição individual na Quadra, participa da coletiva Electric Dreams na Galeria Nara Roesler, com curadoria de Raphael Fonseca e assina um projeto site specific premiado pelo edital Piscina no espaço Auroras (SP) ao lado da artista Carla Santana.

MAC LAREN PROMOVE SUSTENTABILIDADE E IMPACTO SOCIAL EM NITERÓI🌱💼

A partir de janeiro deste ano, o grupo Mac Laren dará início a um projeto inovador que une sustentabilidade e responsabilidade social. Mais de 100 crianças do ensino fundamental da rede municipal de Niterói serão beneficiadas com mochilas confeccionadas a partir de uniformes inutilizados pelos funcionários do estaleiro.

Essa iniciativa não só proporciona a destinação correta aos resíduos têxteis gerados, mas também transforma a vida da comunidade, oferecendo às crianças um recurso essencial para sua educação e mostrando o compromisso do grupo com práticas sustentáveis.

Com este projeto, o grupo Mac Laren reforça a importância de adotar estratégias que aliam o cuidado com o meio ambiente à promoção de ações que impactam diretamente o bem-estar social.

Juntos, construímos um futuro mais consciente e solidário. 🌍💚

Saiba mais sobre nossas ações e compromisso com a sustentabilidade!

Aulas de reforço escolar

O Projeto irá ofertar aulas de reforço escolar para crianças da comunidade do ensino fundamental nas comunidades da Ilha da Conceição e Ponta d’Areia.

Reflorestamento Morro da Ilha da Conceição

Nosso projeto de reflorestamento irá reflorestar 100.000 M² do morro da Ilha da Conceição. O projeto irá ainda promover a conscientização ambiental em Niterói através de uma peça teatral educativa e oficinas práticas de plantio e manejo sustentável.

Oficinas Esportivas

O projeto tem como objetivo a execução de oficinas esportivas em quadra pública localizada na Ilha da Conceição. A iniciativa visa fomentar a prática de esportes, promover inclusão social, saúde e educação por meio do desporto.

Projeto Cerejinha

O Projeto Cerejinhas, promovido pelo Instituto MECA, visa incentivar a educação ambiental e alimentar através da experiência prática do cultivo de tomate cereja. Destinado às crianças da educação infantil das escolas municipais da Ilha da Conceição, o projeto incentiva as crianças a plantar e acompanhar o desenvolvimento das plantas em hortas verticais, proporcionando aprendizado contínuo sobre sustentabilidade e o ciclo de vida das plantas. O cultivo será feito em hortas verticais montadas com paletes e garrafas PET reutilizadas, com um ciclo de plantio contínuo.

Projeto Eco Mochilas

Gestão dos resíduos têxtil – Reciclagem de todos os uniformes descartados para fabricação de Eco Mochilas que serão distribuídas para alunos carentes das escolas municipais

Projeto Círculo de Segurança

O Projeto Círculo de Segurança visa promover a conscientização, prevenção e combate à violência doméstica contra mulheres, crianças e idosos, por meio de ações educativas, suporte às vítimas e fortalecimento da rede de proteção dentro e fora da Mac Laren.

PARCEIROS

Universidade
Federal Fluminense
O MECA desenvolveu com a UFF um programa de extensão de pesquisa e intercâmbio de alunos, professores e estagiários, com objetivos educacionais junto às comunidades.

Museu de
Arte Contemporânea (MAC)
Anualmente, realizamos uma exposição curatorial de obras produzidas na residência artística MECA.

ArtRIO
Durante o ArtRio, O Instituto recebe o público para diversas ativações como oficinas e exposições.

GRUPO MACLAREN

A história da MacLaren e o desenvolvimento da indústria de Oil & Gas no Brasil se misturam. Da a missão de construir o primeiro sistema de produção de petróleo no país, a SS-14, da Petrobrás, à capacidade de adaptação para atender às exigências do atual mercado, trouxemos por gerações o que temos de melhor: uma relação de proximidade com nossos clientes.

Há 85 anos no mercado, nos orgulhamos de ser uma companhia pronta para oferecer a nossos parceiros o que precisarem enquanto estiverem atracados em uma de nossas unidades. Nos adaptamos para entregar não só com excelência, mas também com o máximo de precisão nas operações.

Comprometidos com a excelência em todos os aspectos de nossas operações, reconhecemos a importância de retribuir à sociedade que nos sustenta. Assim, lançamos este projeto como uma extensão de nossa missão em não apenas oferecer serviços de logística e construção de alta qualidade, mas também de enriquecer as vidas das pessoas ao nosso redor.

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